FRANCIS F. COPPOLA
Nació en Detroit, Michigan, en 19391 en una familia de origen italiano. Estudió primeramente teatro en la Universidad de Hofstra y luego cine en la UCLA (University of California at Los Angeles), cuya enseñanza podía caracterizarse como vanguardista en lo artístico y progresista en lo político. Pero Coppola no esperó a recibir su título para dedicarse activamente y de manera casi febril a las diversas funciones del oficio cinematográfico. Entre 1960 y 1962 realizó algunos cortometrajes, mientras simultáneamente trabajaba para el prolífico productor y director Roger Gorman en las más diversas funciones: adaptador, director de escenas adicionales, jefe de sonido, ayudante de dirección, director de segunda unidad, productor y guionista.
En estas dos últimas actividades, las de productor y guionista, llegó a contar con titules importantes a su haber, desarrollándolas incluso paralelamente a su trabajo de realizador. Cerno productor se desempeñó en THX 1138 y American Graffiti, las dos primeras películas dirigidas por George Lucas y Hammett, del alemán Wim Wenders. También fue co-productor ejecutivo de Kagemusha, la sombra del guerrero, del japonés Kurosawa. Como guionista trabajó en Una mujer sin horizonte, de Sidney Pollack; ¿Arde París?, de René Clement; Patton, de Franklin Schaffner; y El gran Gatsby, de Jack Clayton.
Su primer largometraje como director pertenecía a la especialidad de su productor Roger Gorman, el género fantástico o “de terror”. Realizado en 1963, Dementia 13 permaneció prácticamente desconocido hasta su reciente descubrimiento por la critica europea.
En 1966 realiza Ya eres un hombre, una comedia sobre la iniciación sexual, tributaria de la soltura y el humor de Richard Lester y de la «nouvelle vague» francesa. Aquí aparece ya el tema de la familia, una de las constantes de Coppola, como «célula castradora y a la vez vitalizadora del individuo”
Después de dirigir El camino del arco iris (1968) con Fred Astaire , una ourio.sa comedia musical que incorporaba la crítica social, realiza en 1969 Dos almas en pugna, drama intimista que lo revela ya como un realizador de gran nivel.
Pero será recién con El padrino (1972) que Coppola adquirirá el reconocimiento del público y crítica y uno de los mayores éxitos de taquilla en la historia del cine. Como él mismo lo declara, en esa historia de la Mafia se vislumbra una alegoría de las empresas transnacionales y su lucha -por el poder, y a la vez, una metáfora de la acción de EE.UU. en el resto del mundo.
Antes de estrenar la segunda parte de El padrino, donde quedan aún más claras sus claves políticas, realiza La conversación (1974), un alucinante filme sobre el espionaje electrónico que aludía indirectamente al »caso Watergate”.
Su filme posterior fue un ambicioso proyecto que le llevó varios anos en su ejecución y que condujo casi a la bancarrota a su empresa productora, la Zoetrope. Basándose en «El corazón de las Tinieblas», de Joseph Conrad, trasladó su acción y sus personajes al medio de la guerra de Vietnam, elaborando una alucinada y alucinante visión del horror bélico. Esta fue Apocalipsis Now, estrenada en 1979.
Retornando a un nivel de producción más modesto, realizó luego The Outsiders, basado en la novela de la escritora S.E. (Susie) Hinton, la misma autora de La ley de la calle. En ambos filmes, referidos a la marginalidad y a la violencia juvenil, Coppola trabajó con el mismo equipo de técnicos y actores.
LA LEY DE LA CALLE
Esta película está referida a un tema que el cine norteamericano trató con profusión y brillo en las décadas del cincuenta y sesenta: el de la juventud rebelde y su situación en el orden social. Allí están Rebelde sin causa, de Ray; Crimen en las calles, de Siegel; Los ángeles del infierno, de Gorman; Busco mi destino, de Dennis Hopper, etc. En La ley de la calle, Coppola se distancia de la visión realista de esas películas para asumir un cierto expresionismo, caracterizado por una atmósfera onírica lograda a través de una acentuada estilización.
La historia de Rusty James se parece a un mal sueño y toda ella puede ser interpretada como el producto de un estado de alucinación: contribuyen a ello tanto los decorados de Dean Tavoularis, como la iluminación contrastada, la estilización de la acción (la coreografía rítmica de la pelea de las dos pandillas, creada por Micha el Smuin), así como situaciones directamente oníricas, como aquella del “desdoblamiento» del desvanecido Rusty James.
El filme se refiere fundamentalmente a la nostalgia de una época que se ha hecho mítica para sus protagonistas, al confrontaría al sentimiento de vacío y clausura de la actual. La pandilla de Rusty James añora los tiempos «heroicos» de las luchas urbanas, verdaderos combates tribales que rememoraban antiguos ritos y pruebas. El paladín, el símbolo, es el hermano de Rusty, «el Muchacho de la Motocicleta» Pero él ha regresado destruido de sus gestas, medio sordo e incapaz de percibir los colores. De ahí que el filme sea en blanco y negro y sólo se perciban los colores de esos peces batalladores, los “rumble fish» que le dan el título al filme. Esos peces, que se matan entre ellos y se estrellan contra los espejos , constituyen una verdadera metáfora de la existencia.
Un sentimiento de agonía recorre todo el filme. Agonía y conciencia de la autodestrucción en el hermano y el padre alcohólico de Rusty.
El mundo de éste es la pandilla de la que anhela el liderazgo y lo otro es la sociedad hostil, representada por el policía Patterson. Su trayecto está marcado por el fracaso y la muerte anticipada. El gesto final de Rusty, después de la muerte de su hermano, está marcado por la ambigüedad. Como las grandes interrogantes que sugieren los problemas de la vida y la muerte.
JOSE ROMAN
OPINIONES DE FRANCIS F. COPPOLA
«Yo sé lo que es estar loco de admiración por un hermano mayor: yo tuve uno. Rusty James es Pinocchio, el tunante que dormita en el fondo de cada uno de nosotros, pero que sin embargo sentimos tierno y con un gran corazón. Su hermano es otra cosa y es mucho más difícil porque es a la vez un personaje y un desconocido. Un personaje de Albert Camus : perfectamente lógico y cristalino . O un personaje a la Tennessee Williams o a la Carson McCullers, una suerte de rata que no encuentra la salida del laberinto… Es eso lo que, en mi opinión, es la juventud actual. Ellos no tienen espacio donde expandir su espíritu, nuestras instituciones no apuntan sino a controlarlos».
«La manera de acceder al poder no consiste siempre en cambiar por las buenas el «establishment», sino en abrirse paso primero dentro de él y luego desafiarle y ponerle zancadillas. No necesito más poder. El hombre más poderoso sobre la tierra es el director cinematográfico. Cuando hace una película es un dios».
«Creo que soy realmente un escritor que dirige. Cuando la gente va a ver una película, el ochenta por ciento del efecto que ésta produce sobre ella está preconcebido y precalculado por el escritor»
