Selección de filmes premiados 1977 – 1989
13 años de festivales CineUC
12º FESTIVAL 1988
TERCIOPELO AZUL
De David Lynch
Film de género, incursión psico-analítica, inquietante parábola social.
Terciopelo azul es algo más que todo eso, en cuanto su persistente intención transgresora se manifiesta en imágenes de innegable seducción, pero generadoras a la vez de un impreciso malestar; en falsas dicotomías y en un constante desplazamiento entre niveles de lo real.
Desde su comienzo el filme rinde un homenaje al surrealismo, a la onírica crueldad buñuelesca, cuando Jeffrey, el joven protagonista, encuentra una oreja cercenada. A partir de allí, la mediocre tranquilidad del pueblito de Lumberton será reemplazada por una visión del lado oscuro de la existencia. La odisea de Jeffrey es una indagación policial y a la vez un descubrimiento de sí mismo, un descenso a los infiernos de los arrabales nocturnos y a los de sus propios deseos secretos.
Como en los anteriores filmes de Lynch, el motivo que surge de manera recurrente en éste es el de la monstruosidad. Encarnada en el personaje de Frank, esa monstruosidad alude en patéticas resonancias, desnudándolos, a los mitos de Norteamérica, reducidos a sus formas patológicas: dominio por la violencia, edipismo, voyerismo, fetichismo y una tragicómica nostalgia simbolizada por la canción que da el título al filme.
(José Román)
11º FESTIVAL 1987
EL HONOR DE LOS PRIZZI
De John Huston
El cine negro emerge como instancia paradigmática en el momento de la depresión de la economía en EE.UU. Junto a un sistema que se hace inestable, se genera al institucionalidad de la sociedad tribal de clanes gangsteriles. Ejemplo: el mundo de los mafiosos (“Scarface”, de H. Hawks, “El Halcón Maltés” de J. Huston).
“El honor de los Prizzi” da cuenta de lo anteriormente señalado. Reconocemos en esta obra los grandes estilemas de Huston, tales como toda una temática develadora de la condición humana en existencia, como adopción de una conciencia de la dignidad, como razón de ser, aunque aprisionada en un destino informado por el fracaso y la muerte, como hemos visto en algunas de sus obras, tales como “El hombre que quería ser Rey” o “Bajo el volcán”. Dicha situación no es ajena al “Honor de los Prizzi”, aún con el tono paródico que fluye cadenciosamente en esta obra.
¿Qué es el honor de los Prizzi?. Es el elevado precio para proteger y ser protegido. Es la cuenta que es preciso pagar por confusos sentimientos que anulan la capacidad de amar para optar por vidas solitarias y deterioradas, como único destino en una cultura de la muerte. Es, como dice uno de los personajes del film, entregar a los hijos que mucho se quieren en lugar del dinero cobrado.
(Luis Cecereu Lagos)
10º FESTIVAL 1986
LOS SANTOS INOCENTES
De Mario Camus
Esta película, como en general el cine español contemporáneo, presenta facetas dobles, por lo demás inherentes a la cultura española desde el medioevo: por una parte la fe y la esperanza, la necesidad de idealización y de justicia, la lucha apasionada por la “santidad” y por la “inocencia”, por otra parte el maniqueísmo simplista, la falta de sutileza y de matices por lo menos y de inteligencia por lo más, el fanatismo.
El título es ya intenso: los santos serían inocentes y/o los inocentes santos, lo que aparece concretizado en el film a través de una familia feudal-rural, y más precisamente en la hija y cuñado de ellos, ambos débiles mentales profundos. Así, la santidad y la inocencia estaría para los autores cercanamente ligada a la oligofrenia.
Como contrapunta a esta familia extensa de campesinos pobres, está la otra familia también extensa de los propietarios de la tierra, que viven en la ciudad pero retornan al campo para cazar.
Más allá del maniqueísmo y a pesar de él, el film tiene gruesos méritos, como ya lo decíamos: la pasión, el retrato crítico, el llamado a la libertad y a la justicia, el diagnóstico de una sociedad semifeudal aún hoy en ciertas regiones, el paisaje, la humanidad de algunos personajes, el diálogo simple y puro con los animales (como San Francisco de Asís) y la naturaleza.
(Jorge Gissi Bustos)
9º FESTIVAL 1985
FANNY Y ALEXANDER
De Ingmar Bergman
“Fanny y Alexander”, obra compleja y multidimensional, nos devela a un cineasta en una suerte de profundo juego psicoanalítico y también catártico. A través de Alexander, vemos sorprendidos, el mundo bergmaniano. Punto de vista que correspondería a la tempo-espacialidad subjetiva, particularmente Heideggeriana.
De hecho, desde las primeras imágenes en que Alexander, hiperestesiado, juega con pequeños bastidores o decorados teatrales, ellas se irán espejeando en la enorme mansión que lo cobija y lo sublima.
Sin embargo, Alexander tiene una suerte de complemento que ilumina los personajes agnósticos, tan claros a Bergman. Recordemos que él los visualiza como primordialmente intuitivos y que, como muchos otros, recorren un tortuoso camino, cuyas pruebas suelen estar remitidas al conocimiento del límite impreciso de la verdad y la mentira, del bien y del mal. Todo ello, normalmente solucionado en mundos ya hostiles, no ya dionisíacos. Bergman, en “Fanny y Alexander”, desenvuelve sus obsesiones, proponiéndolas en una riqueza formal, deslumbrante por momentos, ascética y agónica en otros, que otorga, obviamente, a esta película un tono mayor, sufriente, aunque esperanzador, en coherencia con su metáfora.
(Luis Cecereu)
9º FESTIVAL 1985
LA NOCHE DE SAN LORENZO
de Paolo y Vlttorlo Tavlanl
La noche de San Lorenzo parte de un hecho real, evocado por los Taviani y ocurrido en julio de 1944, en el pueblito de San Maniato (San Martino en la película). La aldea, ocupada por las tropas nazis ayudadas por los fascistas locales, ha sido condenada a la destrucción, como represalia por las acciones de la resistencia. Los habitantes del pueblo, campesinos toscanos, se dividen en dos grupos: aquellos que obedecen las órdenes alemanas de refugiarse en la iglesia y los que deciden emigrar con sus familias en la esperanza de encontrar a las tropas aliadas.
El aciago destino de los ocupantes de la iglesia y la odisea de los prófugos nos son narradas por los realizadores desde la perspectiva de la pequeña Cecilia, una de las sobrevivientes de la aventura, que rememora los hechos en la época actual. Los acontecimientos que vemos, asumen el tono de los relatos orales que se transmiten en el pueblo, con un descarnado realismo, pero a la vez con mucho de fábula, exageraciones y elementos imaginarios.
En ese relato deambulan seres sufrientes, crueles, paradojales, conmovedores pero sobre todo, extrañablemente humanos. Filmada con habitantes reales del lugar, que secundan a los actores principales, la película posee esa dimensión “verista” que caracterizara al mejor neorrealismo pero
enriquecido por la estilización poética que hace inimitable el cine de Vittorio y Paolo Taviani.
(José Román)
72º FESTIVAL 1983
EL AMIGO AMERICANO
de Wim Wenders
Adaptando la novela de Patricia Highsmith (Ripley’s game), Wenders narra la transformación de un
pacífico fabricante de marcos que, enfermo de leucemia, acepta oficiar de asesino a sueldo a cambio de la seguridad económica de su mujer e hijo. Como en la mayor parte de los “thrillers”, más que la solidez de la anécdota misma interesan los complejos e inquietantes personajes que se mueven en torno a ella, como el ambiguo Ripley, mercader de cuadros e intermediario de unos gangsters que oficia de “demonio tentador” para el desahuciado Jonathan.
La intrincada historia, le sirve a Wenders de vehículo para introducir su propio mundo e inquietudes. Ya en otras películas del joven realizador alemán como «Alicia en las ciudades» y «El transcurso del tiempo», están presentes el desarraigo, el vagar de un lugar a otro, las interrogantes que sus personajes se hacen sobre su propia identidad, la fascinación que sobre ellos ejerce Estados Unidos y su influencia.
Pero sobre todo, el cineasta ha sabido recoger el sentido de la ambigüedad que caracterizara los filmes negros de Orson Welles y Samuel Fullery su aproximación a las zonas oscuras de la existencia, como una proyección de su propia poética.
(José Román)
5º FESTIVAL 1980
PADRE PADRONE
De Paolo y Vittorio Taviani
El filme adapta la novela autobiográfica del escritor y lingüista italiano Gavino Ledda; es el mismo Ledda, en la introducción y el epílogo del filme, quien da cuenta de ello. Es este un recurso que nos obliga a observar distanciadamente el relato, con lo cual los aspectos sentimentales pasan a un segundo plano, destacando así la problemática global del personaje y de su entorno social.
«Padre Padrone»(Padre-Patrón), muestra el itinerario espiritual de Gavino, desde que niño aún es retirado del colegio por su padre, para hacerse cargo del redil paterno en el monte, hasta el momento en que, ya adulto, al término de su propio camino a la liberación del dominio del padre, decide efectuar su incursión en la ciencia lingüística. Los Hermanos Taviani estructuran un relato fluido, con un planteamiento naturalista, pero de aquel naturalismo que ya antes trabajara Renoir. Complementariamente al tratamiento del tema sobre el patriarcado y sus basamentos socioeconómicos (vigentes en el tiempo), que alcanza niveles de universalidad, realizan un estudio antropológico sobre Cardeña y sus habitantes.
«Padre Padrone» a la profunda correspondencia entre argumento de no-ficción y estructura fílmica, agrega una vitalidad y búsqueda, de verdad poco comunes en el cine que recibimos.
(Ignacio Aliaga R.)
5º FESTIVAL 1980
SONATA OTOÑAL
De Ingmar Bergman
El doble monólogo de una madre y su hija: una madre célebre y orgullosa, soberanamente desatenta de todo lo que no sea su carrera de pianista, una hija amante y desmañada, que se reencuentran y se enfrentan, haciendo aflorar a través de las palabras, sus heridas.
Como dos grandes temas, que entre sí contrastan, encadenados, podría decirse, en correlatos resueltos en forma de sonata, apagándose en los fuegos de otoño, tal como se aprecia en el plano que liga imágenes de rosas (signo mítico de la juventud, y del consecuente “Carpe Diem») con Charlotte -lngrid Bergman- quien retorna a un «ajuste de cuentas”, con pasados que informan egoísmos y soledades ante la fragilidad de su hija, Eva (Liv Ullman).
«Sonata de otoño» (1978), es un paso en la gran crónica de los fracasos, como temática, de las obsesiones bergmanianas. Fracasos que dan cuenta, particularmente, de la fragilidad de las relaciones afectivas, en una recurrencia que Bergman enfatiza, con cámaras persistentemente pegadas a la piel, como respuesta afirmativa al discurso filosófico-existencialista de Soren Kierkegaard, con toda su carga de vidas que no se viven, o de manantiales secos de infinita ternura.
(Luis Cecereu)
3er. FESTIVAL 1977
NOS HABAIAMOS AMADO TANTO
De Ettore Scola
Es la percepción del implacable paso del tiempo; la añoranza de la juventud perdida; el derrumbe de las ilusiones que se desgastaron la pugna incesante con la realidad, lo que constituye el centro de la reflexión que nos propone esta película. Reflexión que, por el enunciado de estos temas, pareciera cargada de pesimismo y amargura, pero que en el relato de Scola recibe un tratamiento matizado, ni desesperado ni complaciente, en el que caben a la vez el rasgo patético y la nota satírica, el humor y el lirismo.
Comedia dramática, tragicomedia de costumbres, o como quiera llamársele, “Nos habíamos amado tanto” relata una historia que cubre treinta años de la vida de un grupo de amigos, que son al mismo tiempo, treinta año de la historia de Italia (desde el fin de la guerra hasta los comienzos de los años 70), a la vez que un lapso importante en la evolución del cine peninsular.
(Sergio Salinas R., gentileza Arcadia).
PRESENTACION
Entre los eventos cinematográficos de Santiago sin duda que el Festiva ClNEUC que cada verano tiene lugar, es uno de los que de manera especial concitan el interés del público, además de ser el de mayor permanencia. Realizados desde 1975, casi sin interrupción, estos Festivales reúnen en su programación a los mejores estrenos cinematográficos de cada año, balance al que concurren, con su opinión, la crítica y la prensa especializada. Transcurridas 13 ediciones (considerando 1975 a 1988, excepto 1981 que no se realizó), es pertinente hacer un alto y efectuar una revisión.
El presente programa, realizado con el concurso de Filmoarte, entrega una muestra seleccionada de los filmes que han sido distinguidos por la crítica y el público, desde 1977. A pesar de las limitaciones, por la carencia de archivos fílmicos en el país, el ciclo reúne un conjunto de obras de autores relevantes en el período revisado, así como permite visualizar las variadas opciones estéticas, temáticas y de producción en el cine contemporáneo.
Ignacio Aliaga Riquelme, Coordinador Programa CINEUC.
CINEUC es un Programa dependiente de la Facultad de Arquitectura y Bellas Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile.
